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Fermé pour expansion & rénovations. Aujourd’hui : travaux de toiture et de câblage
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Expo

Act

Inge Ketelers

Un projet de 019 en collaboration avec Design Museum Gent

#VariousProblems #NoWords #JustActions

Inge Ketelers est une graphiste belge qui dirige son propre studio. Elle travaille en Belgique et à l'étranger avec des artistes, des musées et des institutions, avec une attention particulière pour les livres. Parallèlement à sa pratique en studio, elle enseigne au département de design graphique de la LUCA School of Arts de Gand et est responsable de la section graphique depuis sa création en 2011.

#ClimateChange #FaceTheClimateEmergency #UniteBehindTheScience #TreesForTheFuture #SaveTrees #StopFakeRenewables #BreakFreeFromPlastic #PeopleNotProfit #FossilFuels #PlasticPollution #StopPlastic #Earth #SaveTheEarth #ProtectThePlanet #LovePlanetEarth #HelpTheEarth #ClimateFacts #ClimateReality #Health #EnvironmentalJustice #Capitalism #Overconsumption #Wars #StopAgression…

Typeface: William by Maria Doreuli @contrastfoundry

Le billboard présent sur la façade de Design Museum Gent côté Drabstraat est un projet continu du collectif graphique gantois 019. Il fait office de plate-forme d’exposition alternative pour des designers graphiques. Chaque création reste en place pendant 2 mois. Le billboard de 50 mètres carrés est un vestige du projet d’exposition 019 — Museum Of Moving Practice de 2017, pour lequel le collectif avait temporairement occupé une partie du musée. Billboard est basé sur le concept Billboard Series, qui se trouve sur le bâtiment 019 au Dok Noord depuis septembre 2015 (un projet d’artlead, All Things Contemporary asbl & 019)

Les billboards précédents

Too Many Thoughts, Too Little Teeth

Josse Pyl explore les hiérarchies entre les outils de la parole, la communication, le corps et la prise de décision. Comment les mots traversent les corps humains et autres, comment le langage et la parole se forment et se désintègrent. Pyl essaie de comprendre ce système entrelacé sans hiérarchie et en réalisant des dessins, des sculptures et des environnements où le langage et les histoires se forment, où ils se déplacent et se perdent.

Too Many Thoughts, Too Little Teeth pose un regard sur la complexité des mécanismes qui se cachent derrière ces signes et symboles qui relient une personne à une autre. Pyl a créé un relief en pierre comme base de l'œuvre, en utilisant des bâtons d'huile et du papier, le dessin émerge de l'objet qu'il veut représenter. Une lettre se transforme en un personnage et se perd parmi les images et les pensées. Elle existe quelque part entre l'image et le texte, entre le regard et la lecture. La vue et le langage visuel se superposent et mènent à un monde entre réalité et imagination.

Sinusoidal — After Spilhaus

Cette œuvre fait partie d’une série de cartes du monde inhabituelles générées à l’aide d'un logiciel personnalisé. Il a été développé à l’origine par le programmeur Jason Davies pour générer du matériel source pour une série de peintures et de GIFs de l’artiste visuelle Tauba Auerbach. Le logiciel permet de faire tourner et d’aplatir la terre dans n’importe quelle direction en utilisant un large éventail de projections. De cette manière, des formes inhabituelles mais mathématiquement exactes de la terre sont générées.

Cette œuvre de la série a été créée à l’aide d’une projection sinusoïdale et de la technique consistant à couper le long des côtes plutôt que de couper au milieu d’un océan ou d’un continent pour éplucher la surface de la Terre – l’idée a été suggérée pour la première fois par le géophysicien et océanographe Athelstan Spilhaus dans les années 1940. Ce type de carte maintient les océans intacts comme une masse d'eau continue, en se concentrant dans ce cas sur l’hémisphère sud.

The Floor is Lava

Victor Verhelst a étudié le graphisme à l’école des arts LUCA de Gand, après quoi il a commencé à travailler en tant que designer et artiste, à la fois sur commande et de manière autonome. En tant que designer (graphique), illustrateur et typographe, il est obsédé par les couleurs et leur pouvoir de guérison.

La déformation et la juxtaposition de surfaces d’images 2D et 3D dans la création de combinaisons de couleurs figuratives caractérisent son travail graphique. La matière imprimée - du numérique au 3D, de la risographie au textile - constitue son point de départ, dans lequel il travaille toujours sur la relation entre la matérialité et l’image (numérique) préconçue.

Les œuvres numériques restent une constante dans son œuvre, comme ce panneau d’affichage de sa série en cours intitulée TRIPPY VEGAS : sa vision d’une ville numérique en expansion, composée de paysages et de bâtiments virtuels.

Au début de cette année, Verhelst a également fondé sa propre maison d’édition et son propre laboratoire, appelé Moriso, où il travaille avec d’autres designers et artistes pour explorer et relier des formes d’esthétique.

Typographical Orgy

Ce billboard montre différentes créations typographiques que Lennart et Corbin ont esquissées dans leur pratique au fil des années. Les formes fusionnent et se chevauchent dans une zone fixe de l’espace, créant de nouveaux caractères illisibles. Le billboard comprend les caractères typographiques Weimar, Monolog, Transport is Phuture et Oftest.

Female head, Cypriot, early 5th century B.C., rendered in limestone pixels

James Langdon est un graphiste et écrivain indépendant et professeur de design de communication à la Hochschule für Gestaltung Karlsruhe.

x! (Composition with lost signs and pencils)

Bart de Baets (Knokke BE, 1979) termine ses études de graphisme à l’académie Gerrit Rietveld en 2003. Depuis, il vit et travaille à Amsterdam. De Baets conçoit des identités graphiques pour des programmes de conférences, des expositions et des représentations, ainsi que des livres et des pochettes de disques. En 2016/17, Bart était professeur invité au département de Design de Communication de la Hochschüle für Gestaltung à Karlsruhe. Depuis 2009 il enseigne le design graphique à l’académie Gerrit Rietveld d’Amsterdam et à l’Académie Royale des Arts de La Haye.

Location Does Not Matter.

Stephanie Specht (°1982) est une graphiste basée à Anvers, diplômée de l'Académie royale des Beaux-Arts (Anvers) en 2004. Ayant vécu et travaillé un peu partout au cours de ses 14 ans de carrière (Le Cap, Bruxelles, Princeton, New York, Anvers), chacune de ces expériences l'a façonnée en tant que créatrice. Le motif de son panneau d'affichage, intitulé Location Does Not Matter, consiste en plusieurs illustrations de maisons basées sur certains de ses dessins d'enfant. En tant que symbole des nombreux endroits où elle a vécu, ils ont été fortement compressés pour mettre en valeur la sensation de plénitude. L'ensemble devient très abstrait à distance, presque un brouillard - la profondeur disparaît, tout comme les souvenirs des détails des maisons disparaissent progressivement et seule une atmosphère demeure. L'intégration de l'intuition dans son travail est récemment devenue de plus en plus importante pour Specht. La capacité à se réinventer de temps en temps est d'une grande importance ; lorsque le besoin de changement est là, elle veut agir en conséquence. La liberté est l'élément le plus vital dans sa vie.

Nothing Ever Lasts Forever

Des promesses politiques. Pouvoir possible. L'altruisme manipulé. Fausse aide. Changements possibles. Des dangers réels. Une spéculation infinie. Suggestions forcées. Conséquences fâcheuses. Qui veut diriger le monde maintenant ? Il est plus important que jamais de garder à l'esprit: rien ne dure jamais pour toujours comme Tears For Fears chanta.

it is a imbroglio

Le travail de Kévin Bray se déplace entre différents médias - à savoir la vidéo, le graphisme et le design sonore - avec lesquels il questionne l’existence de l’image et ses modes (de production). Dans quelle mesure une image fixe est-elle limitée dans le temps ? Comment les médias et les formats interagissent-ils et s’influencent-ils mutuellement ? Il essaie de comprendre comment la forme et le langage d’un certain média sont visualisés et manipulés, afin d’imposer ces codes à un autre média. Il s’intéresse à jouer avec la porosité possible causée par la confrontation. Par cette méthode, il veut ouvrir et diversifier une langue tout en explorant les limites de ses possibilités.

Talking Letterheads

Un marathon d’interviews par Phantom Radio avec des graphistes belges contemporains. Dirigé par Gerard Herman & Dylan Belgrade. Coordonné par Sara De Bondt, Ronny Duquenne, Valentine Goethals, Ine Meganck et Jeroen Wille. Partie de l’exposition Off the Grid. Le graphisme belge des années 1960 et 1970 vu par Sara De Bondt.

Off the Grid

Ce billboard représente seize logos créés par sept graphistes dans les années 1960 et 1970 en Belgique. Conçus pour les banques, les restaurants, les théâtres, les entreprises de peinture, les musées et autres, ils sont tous des pictogrammes en référence à la nature. Destiné aux nombreux touristes et acheteurs de Noël qui passent chaque jour devant le musée, le message subliminal de la sélection est un appel à une meilleure connaissance de notre planète.

Réalisé à l’occasion de l’exposition Off the Grid. Le graphisme belge des années 1960 et 1970 vu par Sara De Bondt au Design Museum Gent.

memorial IV

Le collage photographique memorial IV fait partie de la série de 'memorials' en perpétuelle expansion, par laquelle Filip Dujardin questionne les archétypes de l'histoire de l'art, et les transforme en nouvelles compositions visuelles. Des fragments architecturaux sont tirés de leur contexte temporel et géographique, et reconstruits dans un nouveau cadre spatial. En assemblant des éléments de différentes origines, il met l'histoire de l'art architecturale sous pression, et fait émerger de nouvelles tensions.

memorial IV montre un amas de déchets de construction, avec des fragments, des débris, des matériaux coupés et broyés.

L'image demande un moment d'attention, avant que l'improbabilité de l'ensemble n'attire le regard : des morceaux de maisons de maître dévastées du 18e siècle, des ruines de colonnes corinthiennes en marbre provenant d'un temple grec, des armatures d'un immeuble moderniste avec ses cadres en béton et éléments préfabriqués sont empilés, formant ainsi une masse dense dans cet amas de pixels. Une montagne vestige ou rappel d'une construction imaginaire démantelée.

Show

Les fils d’actualités glissent sous nos yeux, les doigts dansent sur des surfaces vitrées et tandis que nous défilons dans un univers sans fin, nous suivons, mettons un j'aime, commentons et taguons nos amis. L’édition est devenue la publication et les messages apparaissent sur des murs et dans les groupes. Le vocabulaire, avec lequel le logiciel de nos ordinateurs et smartphones nous parle, est plein de métaphores liées au monde physique. Une histoire peut signifier différentes choses maintenant.

Ines Cox (°1987) est une graphiste Belge qui dirige son studio indépendant à Anvers. En 2009, elle est diplômée de la Luca School of Arts (Gand, Belgique) et a continué ses études pour un deuxième Master à la Werkplaats Typografie (Arnhem, Pays-Bas). Elle a collaboré avec une grande variété d'artistes, d'institutions et de marques sur des projets d’imprimerie aussi bien que de typographie. Dans sa pratique, les projets commandités se déroulent parallèlement aux travaux et études qu’elle entreprend de sa propre initiative.

The Half Life of Facts

Artiste interdisciplinaire conceptuelle, Agnieszka Kurant explore la façon dont les systèmes sociaux, économiques et culturels complexes peuvent fonctionner de manière à brouiller les distinctions entre fiction et réalité ou nature et culture. Elle étudie « l’économie de l'invisible », dans laquelle des entités immatérielles et imaginaires, des fictions, des fantômes et des processus émergents influencent les systèmes politiques et économiques. A. Kurant sonde les « inconnus non connus » du savoir et les spéculations et exploits du capitalisme en intégrant des éléments de science et de philosophie et en analysant certains phénomènes - intelligence collective, émergence, capital virtuel, travail immatériel et numérique, évolution des mèmes, civilisations et mouvements sociaux, sociétés artificielles, circuits énergétiques et processus d’édition - comme actes politiques. Elle explore le statut hybride et mouvant des objets en relation avec la valeur, l’aura, la paternité, la production et la circulation. Beaucoup de ses œuvres imitent la nature et se comportent comme des organismes vivants, des systèmes complexes auto-organisés ou des « Machines célibataires ».

“While I was filling the container with water...”

Voici Herta, une vieille dame. Ce personnage fictif est pour Moriz Oberberger un partenaire de conversation intime. Herta a porté ses activités quotidiennes au plus haut niveau de perfection. Elle est la personnification du présent, ce qu’elle doit à ses expériences de vie. Bien qu’elle n’ait pas le moindre temps libre, la vie de Herta n’est pas programmée. Chaque mouvement engendre tout simplement le suivant. Il lui fait prendre conscience de sa nature essentielle.

À l’occasion de ce billboard, Herta prend ses quartiers dans le bâtiment du WT, et plus précisément dans la cuisine, le cœur de cette école, le point de rencontre social pour le premier café de la journée, les lunchs, discussions et jeux en communauté, ainsi qu’un espace où de nouvelles idées voient le jour. Cette scène est donc un instantané d’une situation typique lors d’une journée au WT, où l’environnement se transforme constamment et donne un nouvel input au travail, et où on croise parfois les marques d’autres participants.

Moriz Oberberger est un graphiste et illustrateur italien qui participe actuellement à Werkplaats Typografie (WT), une école de design d’Arnhem, aux Pays-Bas. Dans son travail, Moriz explore l’interaction entre l’insignifiance et la signification des activités de la vie quotidienne. Il se concentre sur les activités quotidiennes banales, les objets usuels ordinaires et les décors dans lesquels ils sont placés. Des observations subtiles qui se transforment en une multitude d’histoires cachées issues de mondes parallèles, capturées sur un ton ludique. Des récits qui s’expriment à travers différents médiums, tels que dessins, histoires, livres et jeux.

Le Werkplaats Typografie (WT), qui fait partie de l’ArtEZ University of the Arts, est un programme de master en design graphique de deux ans créé en 1998. Le WT est centré sur des projets et missions auto-initiés, avec des conférences, rencontres, séminaires, réunions et lectures orientés vers un travail et une recherche autonomes et motivés de manière indépendante.

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Bráulio Amado est un graphiste et illustrateur du Portugal qui vit actuellement à New York. Il a travaillé en tant que designer à Pentagram NYC et en tant que directeur artistique chez Bloomberg Bus, puis a commencé à travailler au bureau de New York de Wieden + Kennedy. Aujourd'hui, il a son propre studio, BAD Studio - Braulio Amado Design Studio.

Mylar Silver 5,7 x 7,3

Un billboard d’une journée par Bieke Criel.

Experimental Jetset

La création d’Experimental Jetset (collectif de design graphique, Amsterdam, NL) fait référence aux instructions publiques dans un contexte urbain, telles que plans de ville, plans, tableaux, panneaux de signalisation routière, etc. La représentation graphique du lieu est en même temps une représentation temporelle, une carte du temps et de l’espace. La création est également basée sur un diagramme existant tiré du livre The Nature of the Physical World (1927). L’ensemble paraît fonctionnel tout en ayant un caractère énigmatique.

Ghost (Family) Paintings

En tant que graphiste, Ine Meganck est fascinée par les familles fantômes qui reviennent souvent dans la publicité. Elle recueille, analyse et tente de révéler les changements et les tendances au sein de ces familles artificielles. Sur ce panneau, Ine présente une publicité hivernale élargie de la marque Tommy Hilfiger. Certains personnages - la mère et le père par exemple - reviennent toujours après de nombreuses années de campagnes différentes. Toutefois, les directeurs artistiques changent et remplacent plus facilement les enfants et les animaux domestiques au fil des saisons. Même si une grande attention est consacrée à la production de détails absurdes comme les peintures en arrière-plan. Celles-ci sont faites sur mesure pour que l’arbre généalogique présenté soit aussi convaincant que possible. Cela contraste encore une fois avec le fait que la grand-mère, la mère et les petits-enfants sont représentés avec presque la même jeunesse et le même style. Ine a dépouillé la famille de ses références de marque littérales et a fait peindre l’image sur toile, en l’occurrence par un peintre portraitiste indien formé à la peinture à la demande. Le résultat : un (nouveau) portrait de famille disloqué qui, de par sa localisation et ses dimensions, recherche à nouveau la dualité avec le monde de la publicité. 

Visible Vehicle Repair

L’artiste et designer britannique Daniel Eatock, connu pour ses observations astucieuses et ses collections obsessionnelles, crée des œuvres qui célèbrent avec fantaisie la banalité et remettent en question les conventions acceptées. En capturant les réparations automobiles où une pièce est remplacée par une autre d’un autre véhicule du même modèle, mais d’une couleur différente, les photographies d’Eatock se concentrent sur une pratique bien en vue, sur des réparations économiques et transparentes. Reconnaissant un lien avec la conservation de l’art - où les réparations sont censées être visibles plutôt que camouflées - ainsi qu’avec l’art japonais du kintsugi, où les réparations de poteries sont illuminées plutôt que cachées, Eatock confère à une pratique économe une place où celle-ci peut être considérée et appréciée comme un choix esthétique. Ces véhicules réparés sont-ils devenus meilleurs, plus riches et plus précieux à la suite d’accidents et de réparations ?

JUR by Jan Und Randoald

JUR
Robots du monde ! Le pouvoir de l’homme est tombé !
Un nouveau monde a surgi : le Règne de Jobot und Robot !
Marchez !

ACT I
Bureau central de l'usine de JUR

Entrée à droite. Les fenêtres du mur avant donnent sur les rangées de cheminées d’usine. À gauche d’autres départements de gestion. JOBOT est assis sur la chaise pivotante d’un grand bureau américain. Sur le mur de gauche, de grandes cartes montrant les lignes de bateaux à vapeur et ferroviaires. Sur le mur de droite sont fixées des pancartes imprimées (Main d’œuvre la moins chère de JOBOT UND ROBOT, etc.). Le sol quant à lui est recouvert d’un magnifique tapis turc, d’un canapé, d’un fauteuil en cuir et d’éléments de rangement, contrastant avec les accessoires muraux. Assis derrière un bureau près des fenêtres, ROBOT tape des lettres.

JOBOT (dicte)
Prêt ?

ROBOT

Oui.

Two explanted pacemakers taking each other for a heart

Un billboard de Michiel De Cleene dans le cadre de son projet Reference Guide.

Absence Makes The Heart Grow Fonder

Un billboard de Lydia Debeer dans le cadre de l’exposition éponyme.

Motion

Un billboard de Karel Martens dans le cadre de son exposition Motion.

Selección Natural – This is the Cover of the Book

Un billboard de Moritz Küng dans le cadre de l’exposition éponyme.